文/孙佳伟
列昂纳多·达·芬奇出生于托斯卡纳的芬奇小镇附近，是意大利著名画家、科学家，与拉斐尔、米开朗基罗并称意大利文艺复兴三杰，也是整个欧洲文艺复兴时期的代表之一。壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。
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达·芬奇15岁左右到佛罗伦萨拜师学艺，成长为具有科学素养的画家、雕刻家。代表作品有《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》等。其作品大多以素描作基础，线条刚柔相济，尤善于利用疏密程度不同的斜线，表现光影的微妙变化。
《蒙娜丽莎》（Mona Lisa）是意大利文艺复兴时期画家列昂纳多·达·芬奇创作的油画，现收藏于法国卢浮宫博物馆。《蒙娜丽莎》原作的尺寸为纵77cm、横53cm，该作品画在一块黑色的杨木板上。《蒙娜丽莎》画像没有眉毛和睫毛，面庞看起来十分和谐。直视蒙娜丽莎的嘴巴，会觉得她没怎么笑；然而当看着她的眼睛，感觉到她脸颊的阴影时，又会觉得她在微笑。正是这似笑非笑、若隐若现的表情吸引着千千万万的人们对其展开不懈的探索。有研究人员利用微表情理论得出结论：蒙娜丽莎的微笑中，含有83%的高兴、9%的厌恶、6%的恐惧、2%的愤怒。蒙娜丽莎的表情不是单一的，而是复杂的。复杂而非单一是人的表征，是达·芬奇对于人文主义的积极呼喊。
该画作主要表现了女性的典雅和恬静的典型形象，塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。《蒙娜丽莎》代表了文艺复兴时期的美学方向；该作品折射出来的女性的深邃与高尚的思想品质，反映了文艺复兴时期人们对于女性美的审美理念和审美追求。
“当一个东西登峰造极的时候，我们认为它一定是超越了单一学科的范畴，是多种学科的融合。”老师的这句话对于破解《蒙娜丽莎》成功背后的秘密给了我很大启发。或许将达·芬奇简单评定为一名伟大的画家并不准确，除了画家，他还是一名音乐家、建筑家、数学家、天文学家、物理学家……《蒙娜丽莎》不仅是一幅单纯的绘画，更是多学科知识综合运用的伟大结晶。其中，绘画学、摄影学和解剖学知识的运用对于《蒙娜丽莎》的不朽发挥了不可忽视的重要作用。
首先从绘画角度来看，蒙娜丽莎饱满而柔和脸庞和圆滑丰腴的肩膀无不彰显画家精湛的画技。她那似笑非笑的表情来自达·芬奇的明暗渐隐法。法国工程师和发明家帕斯卡·科特利用高科技多光谱相机照射技术研究《蒙娜丽莎》，发现蒙娜丽莎的眼角和嘴角有多达四十多层的超薄油彩，每层厚度仅2微米，相当于头发厚度的1/50，而这样的薄油彩，达·芬奇涂抹了40多层。超薄油彩的叠加营造出蒙娜丽莎嘴角模糊和阴影效果，令人隐约感到她在微笑，但仔细看时笑容就消失无踪。由于画作上没画笔的痕迹，科学家估计达·芬奇是把油彩涂于手指上绘画。能使用如此纤薄的油彩，足见其功力深厚。达·芬奇通过最能反映一个人的情绪的嘴角和眼角肌肉拉扯的向度完成了神秘的微笑。而这肌肉的拉动隐匿于模糊的轮廓中，于是显得自然而不死板。
其次，是对于摄影学知识的启迪。这幅画作于1502年，在一个摄影机尚未出现的年代，达·芬奇就像是一位引导型的摄影师，侧坐的蒙娜丽莎成为了镜头中的主人公。通过作品的搜集，我们不难发现，同时期西方油画作品中的人像多以正面或侧面为视角进行绘制，而达·芬奇的这副《蒙娜丽莎》却实现了侧坐的躯体和转正的头部的自然结合。通过这幅画，我们仿佛可以想象出侧坐的女主人公在画家的轻唤声中扭过头来的动态过程。达·芬奇记住这转瞬即逝的表情而作出不朽的画作，这为后来的摄影学抓拍技巧带来了很大的启发。
最后，是对于解剖学知识的应用。对于绘画创作来说，无疑是一种前无古人的技法。为了把握好微笑带来的肌肉牵动，达·芬奇进行了大量解剖实验，最终成就了这神秘的笑容。
就画面整体来看，蒙娜丽莎，坐在一把半圆形的木椅上，背后是一道栏杆，隔开了人物和背景，背景有道路、河流、桥、山峦，它们在达·芬奇“无界渐变着色法”的笔法下，和蒙娜丽莎的微笑融为一体，散发着梦幻而神秘的气息。背景烘托人物而不喧宾夺主，使人不由自主地将视线由后向前锁定在人物的体态和表情上，可谓耐人寻味。
起初，艺术家被称作工匠，以为教堂作画而谋生。文艺复兴时期，欧洲社会开始关注到人们的精神，艺术家更多地为贵族作像，从而拥有了更多的主动权，尝试通过了解其他学科提高绘画的深度，丰富作品的内涵。“当一件事情做到极致就是艺术”，此言不假！《蒙娜丽莎》只是一幅静态的油画，但是它却可以调动我们的情绪、我们的想象力，跨越千年，展示其恒久不衰的艺术魅力。或许我们读不懂它，但是它却永远拥有吸引我们尝试去解读它的魅力。
艺术是感性的，科学是理性的，达·芬奇用他的不朽画作向我们诠释了这看似冲突的两个领域实则是可以相互助力的。《蒙娜丽莎》给予我们的不仅是审美体验和情感启发，它也启迪着我们去大胆尝试不同的知识领域，在多学科知识的融会贯通中实现新的超越。
编辑 雷洁
审核 雷洁